原標題：“沉浸”不能泛娛樂化（藝壇走筆）

　　近年來，AR、VR、MR等擴增實境、虛擬現實、混合現實的沉浸式技術快速發展，並應用於各個領域。越來越多的藝術展覽也引入技術元素，“沉浸式數字藝術體驗展”從一個陌生、小眾的概念成為網絡熱詞，在世界各地持續引發觀展熱潮。五彩斑斕的光影特效、動態展示的經典名作、巨大震撼的場景體驗……層出不窮的“沉浸式”數字藝術體驗展，能否滿足人們沉浸於藝術之境的期待？

　　事實上，在數字技術輔助下，一些展覽打著“復原、再現、觸摸”經典文物的旗號，隻靠循環播放幾個文物動畫視頻，擺放幾件新媒體藝術裝置，就美其名曰“沉浸式”﹔一些藝術家以炫酷科技裝點空虛內核，一味迎合消費主義或享樂主義，使美術館與游樂場無異﹔還有一些商業機構舉辦的“沉浸式展覽”，既沒有經典文物支撐，也沒有現當代藝術家的創作，而是單純地“造景”。一時間，“沉浸式”成了百搭的展覽前綴詞，似乎隻要運用了科技手段的展覽，都可被稱作“沉浸式展覽”。觀眾可以在布滿氣球、亮片、投影的彩色空間裡盡情拍照，但除了照片以外，或許什麼也沒留下。

　　這樣的展覽看似熱鬧，實則扭曲了藝術與技術的關系，模糊了“沉浸”的內涵。沉浸，是一種過濾掉所有不相關的知覺，完全投入某種情境的狀態。沉浸式藝術體驗，其核心在於獲得身臨其境的現場感，進入全神貫注的狀態，通過奇妙的身心體驗，啟發觀者對人與世界的思考，深化對藝術情境的感悟。一旦無法平衡藝術性與娛樂性，展覽便面臨失去“精神高度、文化內涵、藝術價值”的危險。此外，粗制濫造的“沉浸式展覽”躥紅，可能為一些功底不扎實的藝術家提供某些“創作”捷徑：抄襲知名藝術家的創作手法、過於注重奪人眼球的視覺呈現……這樣的創作和展覽趨勢都值得警惕。

　　在科技飛速發展的今天，大眾文化需求不斷攀升，推動藝術與技術深度融合是大勢所趨。在展覽中合理應用高新科技，可將藝術由二維空間解放出來，提升展覽交互性，增強藝術趣味性，有利於打破以往美術館、博物館高高在上、枯燥無味的公眾形象。比如，故宮博物院展出的《清明上河圖3.0》，以國寶級文物為原型，融合8K超高清數字互動技術、4D動感影像等技術，充分盤活文化資源，使觀者可在畫中神游。又如曾風靡上海的《雨屋》展覽，創作團隊通過在天花板安裝傳感器等技術設備，使觀眾所到之處無“雨”，而四周有“雨”，以此探討人與自然之間的微妙互動關系，傳遞創作者的藝術思考。這些沉浸式展覽，以藝術為本，以技術為翼，不僅滿足了人們參與藝術、體驗藝術的需求，更激發了個體對藝術的探索欲望。故而，展覽中運用得當的技術，能夠與藝術暢通“對話”，展現出藝術豐富有趣的另一面，帶領觀者超越時空，感受技、藝融合所帶來的真正震撼人心的精神力量。

　　想要真正“沉浸”，可以應用技術，但不能隻有技術﹔可以強調趣味，但不能隻顧趣味。實現沉浸，需要藝術家對文物底蘊、藝術價值進行深入挖掘，潛心投入創作﹔需要策展人發揮展覽的組織優勢、敘述優勢，賦予藝術作品新的內涵﹔需要館方根據實際情況提供說明牌、導覽等公共教育服務，提升大眾參觀滿意度﹔需要商業機構秉持商業道德，杜絕竊取、抄襲和拼湊，讓展覽不再共用一張面孔。

　　“沉浸式”不應成為泛娛樂化、空心化的代名詞。追求數字技術與人文藝術最大程度的完美相融，是沉浸式展覽的根本目標。在這樣的目標指引下，身處藝術品數字化浪潮中的美術場館、文化機構、藝術家等，不僅應沉下心來，為觀眾營造多重感官體驗，更應浸潤文化，為觀眾帶去精神思考和收獲，如此才能實現身與心的共同沉浸，保持展覽以及美術場館的持久吸引力。

(責編：鄧楠、吳超)