近年来，AR、VR、MR等扩增实境、虚拟现实、混合现实的沉浸式技术快速发展，并应用于各个领域。越来越多的艺术展览也引入技术元素，“沉浸式数字艺术体验展”从一个陌生、小众的概念成为网络热词，在世界各地持续引发观展热潮。五彩斑斓的光影特效、动态展示的经典名作、巨大震撼的场景体验……层出不穷的“沉浸式”数字艺术体验展，能否满足人们沉浸于艺术之境的期待？

　　事实上，在数字技术辅助下，一些展览打着“复原、再现、触摸”经典文物的旗号，只靠循环播放几个文物动画视频，摆放几件新媒体艺术装置，就美其名曰“沉浸式”；一些艺术家以炫酷科技装点空虚内核，一味迎合消费主义或享乐主义，使美术馆与游乐场无异；还有一些商业机构举办的“沉浸式展览”，既没有经典文物支撑，也没有现当代艺术家的创作，而是单纯地“造景”。一时间，“沉浸式”成了百搭的展览前缀词，似乎只要运用了科技手段的展览，都可被称作“沉浸式展览”。观众可以在布满气球、亮片、投影的彩色空间里尽情拍照，但除了照片以外，或许什么也没留下。

　　这样的展览看似热闹，实则扭曲了艺术与技术的关系，模糊了“沉浸”的内涵。沉浸，是一种过滤掉所有不相关的知觉，完全投入某种情境的状态。沉浸式艺术体验，其核心在于获得身临其境的现场感，进入全神贯注的状态，通过奇妙的身心体验，启发观者对人与世界的思考，深化对艺术情境的感悟。一旦无法平衡艺术性与娱乐性，展览便面临失去“精神高度、文化内涵、艺术价值”的危险。此外，粗制滥造的“沉浸式展览”蹿红，可能为一些功底不扎实的艺术家提供某些“创作”捷径：抄袭知名艺术家的创作手法、过于注重夺人眼球的视觉呈现……这样的创作和展览趋势都值得警惕。

　　在科技飞速发展的今天，大众文化需求不断攀升，推动艺术与技术深度融合是大势所趋。在展览中合理应用高新科技，可将艺术由二维空间解放出来，提升展览交互性，增强艺术趣味性，有利于打破以往美术馆、博物馆高高在上、枯燥无味的公众形象。比如，故宫博物院展出的《清明上河图3.0》，以国宝级文物为原型，融合8K超高清数字互动技术、4D动感影像等技术，充分盘活文化资源，使观者可在画中神游。又如曾风靡上海的《雨屋》展览，创作团队通过在天花板安装传感器等技术设备，使观众所到之处无“雨”，而四周有“雨”，以此探讨人与自然之间的微妙互动关系，传递创作者的艺术思考。这些沉浸式展览，以艺术为本，以技术为翼，不仅满足了人们参与艺术、体验艺术的需求，更激发了个体对艺术的探索欲望。故而，展览中运用得当的技术，能够与艺术畅通“对话”，展现出艺术丰富有趣的另一面，带领观者超越时空，感受技、艺融合所带来的真正震撼人心的精神力量。

　　想要真正“沉浸”，可以应用技术，但不能只有技术；可以强调趣味，但不能只顾趣味。实现沉浸，需要艺术家对文物底蕴、艺术价值进行深入挖掘，潜心投入创作；需要策展人发挥展览的组织优势、叙述优势，赋予艺术作品新的内涵；需要馆方根据实际情况提供说明牌、导览等公共教育服务，提升大众参观满意度；需要商业机构秉持商业道德，杜绝窃取、抄袭和拼凑，让展览不再共用一张面孔。

　　“沉浸式”不应成为泛娱乐化、空心化的代名词。追求数字技术与人文艺术最大程度的完美相融，是沉浸式展览的根本目标。在这样的目标指引下，身处艺术品数字化浪潮中的美术场馆、文化机构、艺术家等，不仅应沉下心来，为观众营造多重感官体验，更应浸润文化，为观众带去精神思考和收获，如此才能实现身与心的共同沉浸，保持展览以及美术场馆的持久吸引力。

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